Lundi 5 septembre 2005
Les baigneuses
Le peintre recompose le monde. Et cette, recréation du monde prend une dimension d'éternité Nous entrons dans une ère où ne comptera que ce qui durera.
GALERIE ART PEINTURE DE GREGOIRE DEBAILLY
Catégories
- Présentation (1)
- portraits (24)
- l'artiste (1)
- abstraction (21)
- Ce que vous devez absolument savoir (1)
- comment acheter une de ces oeuvres? (1)
- Gagner de l'argent; (1)
- mes liens (1)
- choix de texte (5)
- reproduction (1)
- histoire de l'art (1)
- Anamorphisme (3)
- Interview (1)
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Lundi 5 septembre 2005
Cri rouge
Le portrait est un moyen d’expression de sentiments intimes et de descriptions d’état d’âme qui doit aller sans lourdeur à l’esprit du spectateur.
Huile sur toile ( 81x 65 cm )
Paris 2005
prix 1300 euros
Lundi 5 septembre 2005
En peinture, le temps de lecture est aboli. L'oeuvre se livre, efficace et brutale, dans son immédiateté.C'est de la communication absolue, à la vitesse de la lumière.
huile sur toile (65x54cm)
Paris 2005
prix 800 euros
Lundi 5 septembre 2005
Rachel
Dans un portrait n'apparaît pas ce qu’est la personne, mais bien qui elle est.
huile sur toile (80x80cm)
Paris 2005
prix 1600 euros
Dimanche 4 septembre 2005
Interview de Grégoire Debailly réalisée par Sabrine Piscaglia historienne d'art à Paris le 5 mars 2006.
Sabrina Piscaglia : Vous avez entrepris depuis trois ans une série de portraits. La première question qui vient à l’esprit est qui sont ces personnes ?
Grégoire Debailly : Ces sont des chimères, des créations.
SP : Alors on ne peut plus parler de portrait.... GD : Oui et non, car tous ces visages forment, globalement, un portrait de notre société, dont j’étudie les contours et les profondeurs.
SP : De « quelle société » dressez- vous donc le portrait ?
GD : De la société postmoderne, du monde d’aujourd’hui dans lequel nous vivons et dont je tente de traquer les limites, les pièges et surtout de trouver une issue qui me semble favorable. Car plus j’explore ce monde postmoderne et plus j’éprouve une certaine inquiétude, un certain vertige. Comme disait Woody Allen : « Dieu est mort, Marx est mort, et moi, je me sens un peu mal ». C’est à partir de ce malaise que j’ai décidé de me consacrer à ce projet de portrait.
SP : Quelle est votre vision de notre société ?
GD : En tout premier lieu je crois que notre époque est marquée par l’expression radicale de l’individualisme. Aujourd’hui « S’exprimer » veut dire se faire valoir, affirmer la différence pour la différence, même si on a rien à dire – et surtout si on n’a rien à dire – chacun veut dire quelque chose à partir de son expérience intime, chacun veut devenir un speaker et être entendu. L’expression ne vise pas quelqu’un, ne communique pas une pensée, elle est là pour l’opportunité de se faire entendre. L’acte de communiquer est devenu plus important que la nature du communiqué.
SP : Pensez- vous qu’aujourd’hui la communication soit devenue le plus grand des malentendus ?
GD : Si on parle de communication de masse oui, et j’en veux pour preuve la place démesurée qu’a pris la télévision dans notre vie quotidienne. D’abord : le téléspectateur passe sa vie à regarder la vie des autres et tout naturellement la vie devient pour lui une représentation, celle de la célébrité. La tentation suprême de l’ego, c’est de passer de l’autre côté de l’écran, de commencer à exister ! Ensuite : le système mis en place par la soi- disante communication permet de vendre tout et n’importe quoi. L’homme d’aujourd’hui ne sait pas pourquoi il consomme, mais il consomme, n’importe quoi et n’importe comment. Il a fait du supermarché un lieu de vie, son lieu de la promenade du dimanche. Que ce soit pour son loisir (notre dieu suprême) ou pour compenser ses frustrations il dépense. On a inventé un système d’incitation remarquable pour obtenir ce résultat : la publicité. La publicité est là pour nous faire craquer.
SP : Vous trouvez cela immoral ?
GD : C’est n’est pas la publicité qui est immorale, c’est notre société. S’il est un trait caractéristique de notre époque, c’est bien son goût immodéré pour le vice qu’elle a su habilement transformer en vertu. Elle remplace la moralité par la rentabilité. Elle élimine la valeur du besoin élémentaire, pour la remplacer par celle du désir fictif. Elle fabrique de faux désirs et elle entretient massivement la croyance dans la nécessité de les satisfaire. Elle aiguise la comparaison et suscite l’envie. Elle excite l’émulation et la compétition. Le comble serait de donner à la consommation de masse la dignité d’une culture. La doctrine selon laquelle le bonheur se confond avec le fait d’avoir davantage, de posséder toujours plus, est dégradante, on vend de l’illusion. Mais l’illusion cela ne tient que si on n’y croit. Le filet pour capturer l’opinion publique, ce sont les images de l’illusion qui deviennent plus vraies que vrai. Le monde qui en est le sous-produit, est un monde d’illusions et quand le réseau du conditionnement est efficace, les opinions les plus invraisemblables peuvent avoir cours, et elles sont enfoncées dans le crâne d’un individu maintenant soumis et domestiqué.
SP : Comment expliquez- vous cette perte de valeur, par quel processus une telle manipulation a-t-elle pu être rendu possible ?
GD : Ce processus s’accomplit constamment sous nos yeux, avec un instrument de pensée qui sert son dessein : le relativisme généralisé. Le structuralisme avait déjà ouvert la voie. Il enseignait que toutes les cultures humaines ont droit à la reconnaissance de leur valeur et de leur dignité. Le modèle culturel occidental n’a pas le monopole de l’humanité. Il y a une richesse dans toutes les cultures traditionnelles. Il suffit d’élargir démesurément le relativisme : Toutes les cultures sont également légitimes et tout est culturel. Le résultat, c’est qu’alors, tout se vaut, n’importe quoi est culturel : le sexe, le loto, la pétanque, les jeux vidéo, les gadgets, la télévision dans tout ce qu’elle produit, la publicité, le cinéma, la mode, etc. Il suffira donc de dire que c’est une forme différente de culture. Dès lors, "une méditation faite pour éveiller l'esprit et un spectacle fait pour l'abrutir", c’est du pareil au même. Tout est culture. On est très tolérant donc. Résultats : il n'y a plus ni vérité, ni mensonge, ni stéréotypes, ni invention, ni beauté ni laideur, mais une palette infinie de plaisirs, différents et égaux. Des formes de culture.
SP : Pensez- vous que les artistes d’aujourd’hui aient été affectés par ce relativisme ambiant ?
GD : Absolument, rien n’échappe à ce relativisme. L’artiste contemporain a plus que jamais besoin comme tout le monde de se produire et de se mettre en scène face à un public, à des spectateurs. C'est lui qui est au centre de la scène artistique, de son œuvre même, mais il reste tributaire en même temps des humeurs et des opinions d'autant plus changeantes du publique. Aujourd'hui il ne reste plus que le public. Le monde des artistes est une société dans laquelle le réel se présente surtout et essentiellement comme une image, et la différence même entre image et réalité tend à disparaître. Mieux, la réalité atteint son statut seulement à condition de se présenter comme une image prête à être consommée par le public. L'homme en tant qu'être concret, l'homme de chair et d'os, n'importe plus; seule compte sa représentation publique où la vérité se présente uniquement comme vérité publique. Artistes, peintres, acteurs, hommes de spectacle, présentateur télé confondent leur propre valeur avec leur image, se nourrissant de l'adoration du public. On peut définir cela comme le narcissisme vampirique de gens rendus malades par une surexposition à la vidéo, et dont le moi qui s'enfle, toujours à la recherche de confirmations, demeure fondamentalement fragile. De plus en plus de personnes lient leur identité à leur apparence et révèlent ainsi une incapacité relationnelle, de réciprocité dans les sentiments. Le narcisse nous empêche d’avoir des rapports concrets et profonds.
SP : Mais si l’artiste aussi est un victime du système, que devient l’art ?
GD : L’art est devenu le cache misère d’un manque de densité d’être. La crise de l'autorité a secoué et secoue encore la société (perte des repères, des valeurs précédentes comme le travail, la religion, le patriarcat, la culture etc.) au bénéfice de la culture populaire et de modèles alternatifs considérés comme meilleurs ou tout aussi légitimes. L'individu ne se projette plus dans les modèles classiques et la société se fragmente en de multiples groupes ou tribus, fragmentation que le marketing et les mass media ont initiée ou reprise. Mais contrairement à ce que l'on peut croire, ce multiculturalisme, cette non-hiérarchisation, cette hétérogénéité ne sont pas seulement de simples postures politiques ou sociales mai bel et bien de nouvelles idéologies ayant effacé toutes traces idéologiques sur leur passage. L’image a triomphé sur l’idée. Les créateurs d’images créent des systèmes d'idéaux et d'anti-idéaux, systèmes qui ne dureront guère et dont chacun sera bientôt remplacé par un autre, mais qui influent sur nos comportements, nos opinions politiques, nos goûts esthétiques, sur la couleur des tapis du salon comme sur le choix des livres, avec autant de force que les anciens systèmes des idéologues. SP : Quelles conséquences à votre avis a pu avoir cette crise de l’autorité sur notre société ?
GD : Tout un nouvel état d'esprit a vu le jour suite à cette lente crise de l'autorité. Dans notre société postmoderne, tout est gouverné par un égalitarisme forcené (non âgisme, indifférenciation hommes/femmes, humanité/animalité etc.) et sous la bannière du droit d'être soi-même , tous les modes de vie et toutes les identités deviennent légitimes et respectables. Tout devient culturel et sous le règne de l'industrie et du marketing, la culture devient un simple produit de consommation. On revendique la tolérance, l'absence de jugement, l'absence d'échelle des valeurs, entraînant un politiquement correct et voilà que la société devient de plus en plus obsédée par son image.
SP: Mais le portrait ce n’est qu’une autre image de l’homme….
GD : Certes, mais si notre problème existentiel est de se passer du réel (seul monde à notre disposition) de remplacer le principe de réalité par le principe du plaisir, d’éliminer le réel et autrui en les redessinant à l'image de son idéal pour sortir définitivement de l'humanité, du temps, de l'imperfection, la de la mort, moi, avec mes portraits, je veux justement me situer dans le temps, l’imperfection, la mort, l’humanité. Ceux-ci sont les éléments constitutifs de ma peinture, dans chacun de mes portraits je mets en valeur l’un ou plusieurs de ces éléments. Je m’oppose ainsi à un des symptômes de notre époque qui est l’abolition radicale de toute autorité et instaure l'auto institution, l’auto- proclamation. Si Dieu est mort, l'être humain avec son ego et son narcissisme s'est mis au centre de tout et s'est institué lui-même Dieu… mais un Dieu parmi des millions d'autres. Je veux bien qu'on abolisse toute divinité mais il ne faut pas en recréer sous une forme déguisée pour tenter de nous faire croire que nous avons réellement brisé nos antiques chaînes… Nous assistons donc à l'arrivée d'une nouvelle autorité instituée mais qui ne veut pas se faire passer comme autorité mais comme égalité !
SP : Pensez- vous que les artistes aussi se sont éloignés de cette quête du sens, de l’authenticité du soi ?
GD : L'artiste est devenu lui aussi une sorte de dieu, un artiste autoproclamé, s'auto désignant artiste, certains de n'avoir plus qu'une audience minime, il a réduit son champ d'action à son atelier et aux petits bonheur la chance. Ce ne sont plus ses œuvres qui font dire que tel ou tel homme est un artiste mais c'est l'artiste lui-même… Le comble du narcissisme. D'où l'escroquerie de l'art dit contemporain, se perdant dans l'originalité à tout prix, dans la quête absurde de performances et d'installation, d’une nouveauté pour la nouveauté.Ainsi, les artistes actuels créent des œuvres qui montrent le corps, qui le dénude, qui le façonne, corps qui devient lui-même œuvre d'art grâce au piercing, aux tatouages, aux performances, à la manipulation génétique…Le système de production et le besoin de consommer des loisirs façonnent ce début de siècle. Ce siècle n'a que faire d'une pensée libre, créatrice alors qu'il a besoin de l'art pour se remettre en question.
SP : Vous parlez donc de l’art pour l’art…
GD : Non, car l'art est devenu, lui aussi, un produit de consommation. Il n'est plus œuvre de contestation, de dénonciation. Bien sûr, l'art en Europe est partout à tel point que nous ne pouvons pas imaginer notre société sans art, sans artistes. L'art a pour fonction maintenant d'occuper les loisirs de ceux et celles qui sont confortablement assis dans la vie et non plus à remettre en cause la façon dont la masse perçoit l'évolution du monde.
SP : Donc la marchandisation de l’art e le narcissisme de l’artiste sont une des causes principales de cet état des choses…
GD : Le drame du narcissisme n'est pas l'égoïsme, l'absence de préoccupation d'autrui, le renfermement sur soi, mais bien le vide intérieur qu'il provoque et qui a, nécessairement, en tant que tel, des conséquences sociales et politiques. Le drame de l'homme d’aujourd’hui réside bien dans sa faiblesse et sa vulnérabilité. L'individualisation est bien le contraire de la libération et l'idéologie du développement personnel, optimiste à première vue, ne crée en fait que solitude, résignation et désespoir profond. Ce qui caractérise notre société est bien l'abolition de l'avenir, l'incapacité à se le représenter, le refus même de s'y essayer. Dans la perception d'une société sans avenir se glisse l'incapacité narcissique de s'identifier à sa postérité et participer au mouvement historique. Ainsi l’artiste narcissiste devient un instrument… Les artistes doivent avoir une compréhension politique de leur rôle, c’est pour ça qu’il faut se poser à nouveau la question esthétique (dans sons sens le plus large). La question politique est une question esthétique, et vice versa. L'abandon de la pensée politique par le monde de l'art est une catastrophe. Je ne veux évidemment pas dire que les artistes doivent "s'engager". Je veux dire que leur travail est originairement engagé dans la question de la sensibilité de l'autre. Or la question politique est essentiellement la question de la relation à l'autre dans un sentir ensemble, une sympathie en ce sens. Le problème du politique, c'est de savoir comment être ensemble, vivre ensemble, se supporter comme ensemble à travers et depuis nos singularités (bien plus profondément encore que nos "différences") et par-delà nos conflits d'intérêts. La politique est l'art de garantir une unité de la cité dans son désir d'avenir commun, son individuation, sa singularité comme devenir-un. Or un tel désir suppose un fond esthétique commun. L'être-ensemble est celui d'un ensemble sensible. Une communauté politique est donc la communauté d'un sentir. Si l'on n'est pas capable d'aimer ensemble les choses (paysages, villes, objets, œuvres, langue, etc.), on ne peut pas s'aimer. Tel est le sens de la "philia" chez Aristote. Et s'aimer, c'est aimer ensemble des choses autres que soi. Je crois que, de nos jours, l'ambition esthétique à cet égard s'est largement effondrée. Parce qu'une large part de la population est aujourd'hui privée de toute expérience esthétique, entièrement soumise qu'elle est au conditionnement esthétique en quoi consiste le marketing, qui est devenu hégémonique pour l'immense majorité de la population mondiale.
SP : Et votre peinture, en quoi est-elle différente ?
GD : Elle est différente parce qu’elle va dans la direction opposé de la pensée unique que la société actuelle veut nous faire admettre de force comme étant la nôtre, elle fait de nous des animaux économiques, en voulant nous faire croire que le suprême bonheur au XXI siècle c’est de manger du chocolat en surfant sur internet en nous expliquant que c’est parce qu’on le mérite bien. Je crois très sincèrement que la véritable connaissance de soi passe par l’oubli de soi. C’est non seulement le meilleur moyen d’accéder à l’autre mais c’est surtout le moyen de désamorcer ce narcissisme féroce qui nous tyrannise et ne fait qu’entretenir nos peurs les plus profondes, les plus viscérales, comme celle de la vieillesse, de la maladie, de la souffrance et finalement de notre mort. On veut nous faire admettre par tous les moyens qu’il est préférable d’adhérer à cette illusion que d’accepter la réalité telle qu’elle est : c'est-à-dire transitoire et éphémère et dont le seul destin possible est de disparaître un jour pour laisser la place à autre chose de nouveau. En tant que peintre ma tentative picturale vise à réconcilier la poésie et la peinture. La poésie pour moi c’est ce qui reste quand on a tout oublié, c’est la poésie du temps qui passe, un parfum qui persiste longtemps après que les êtres et les choses ont disparu. Lorsque je peins ce que je cherche à fixer sur chacune de mes toiles, c’est cet instant fragile où tout se fait et se défait dans un tremblement miraculeux et éphémère.
Dimanche 4 septembre 2005
Rachel
Dans un portrait n'apparaît pas, ce qu’est la personne,
mais bien qui elle est.
huile sur toile (80x80cm)
Paris 2005
prix 1600 euros
L'Andalouse
C’est du premier choc de la contemplation d’un visage que dépend la sensation principale qui dirige l'artiste pendant toute l’exécution d’un portrait.
huile sur toile (100x100cm)
Paris 2004
collection privée
Autoportrait dans le jardin
Ce n’est pas l’intimité de l'artiste qui se dévoile dans un autoportrait, mais l’intériorité même de l'artiste qui transpire du portrait qu'il fait de lui-même. L'autoportrait devient le pilier des intuitions du peintre.
huile sur toile ( 64x55cm)
Paris 2004
prix 880 euros
Sortie de métro
Le portrait est un art qui soulève les questions fondamentales des rapports de l’œuvre avec la réalité, la ressemblance, le caractère, l'expression et la sensation.
technique mixte huile sur papier
marouflé sur toile (90x75cm)
Paris 2004
prix 1500 euros
Autoportrait 41 ans
On peut comprendre l’autoportrait comme une révélation de soi-même à soi-même en tant qu’autre et objet d’un regard étranger. le rapport à la mort que possède le portrait est indéniable. La volonté de survivre au temps est une partie constitutive du thème du portrait.
huile sur toile (100x95cm)
Prague 2002
prix 2375 euros
Jeudi 1 septembre 2005
Anamorphisme 9
Le portraitiste n'a nul besoin de séduire. C'est au contraire le bonhomme, le modèle qui doit séduire le portraitiste, quand on entre dans l'univers de la peinture, comme bonhomme ou comme peintre, on pénètre dans une planète où règne la grandeur et l'efficacité totale.
huile sur toile (27x22cm)
Paris 2005
prix de vente 150 euros
Anamorphisme 13
L’Art du portrait est un précieux témoignage de ce qu’est une intelligente critique d’art. Si le portrait est un passionnant objet d’étude, c’est qu’il concentre en effet la plupart des fonctions de la peinture.
huile sur toile (27x22cm)
Paris 2005
prix 150 euros
Anamorphisme 10
un peintre doit apprendre, maturer, progresser avec persévérance, en peinture c'est l'âge mûr qui apporte le talent. Dans la mesure où une toile est un slogan puisqu'elle ramasse son sens en un seul coup d'oeil, il faut attendre longtemps pour faire des slogans dont l'efficacité soit totale.
huile sur toile (27x22cm)
Paris 2005
prix 150 euros
Anamorphisme 14
Visage, silhouette, souvenir, mouvement : le portrait échappe aux définitions ; masquant ce qu'il figure, tout en démasquant la scène de la figure, il se construit non comme genre, mais comme lieu de conflits.
huile sur toile (27x22cm)
Paris 2005
prix 150 euros
Anamorphisme 15
Le propre du portrait est d’être focalisé sur un personnage; celui-ci en est le centre, mais il a aussi une périphérie avec laquelle il est en interaction et dont il est inséparable.
huile sur toile (27x22cm)
Paris 2005
prix 150 euros
Par debailly
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Jeudi 1 septembre 2005
Anamorphisme 5
La peinture, c'est l'antiprogrès : elle ne sera donc jamais démodée. Et au sommet de la peinture se tient peut-être l'art du portrait.
huile sur toile ( 27x22cm)
Paris 2005
prix 150 euros
Anamorphisme 12
Qu’il s’agisse d’un moyen de surpasser le temps, ou bien du simple désir de transmettre ses traits à la postérité,vaincre l’éphémère constitue la base de l’acte du portrait.
huile sur toile (27x22cm)
Paris 2005
prix 150 euros
Anamorphisme 6
Dans une gueule, il y a la planète entière. Dans les formes et les couleurs d'une toile se tient un sens et pas seulement des sensations.
La peinture constitue en elle-même son propre projet, Celui d'être une esthétisation du monde.
huile sur toile (27x22cm)
Paris 2005
prix 150 euros
Anamorphisme 7
Le peintre recompose le monde. Et cette, recréation du monde prend une dimension d'éternité.
Nous entrons dans une ère où ne comptera que ce qui durera.
huile sur toile (27x22cm)
Paris 2005
prix 150 euros
Anamorphisme 8
Le portraitiste est le psychanalyste des temps post-modernes, l'art de l'avenir ! Un portraitiste va avec de modestes moyens, fabriquer le portrait d'un bonhomme, sans aucune censure.
huile sur toile (27x22cm)
Paris 2005
prix 150 euros
Par debailly
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Jeudi 1 septembre 2005
Anamorphisme 11
Le portrait est définissable non pas comme un objet, mais comme une relation de regards plus ou moins fantasmée entre l’artiste, le modèle et le regardant qu’il soit le destinataire ou un simple spectateur. L’image figée devient le signe de cette relation. Le portrait met ainsi fortement l’accent sur l’acte même de regarder, plus que sur l’objet vu. Il est l’image de soi médiatisée par un autre. C’est le regard de l’artiste qui matérialise la figure.
huile sur toile (27x22cm)
Paris 2005
prix 150 euros
Anamorphisme 1
en peinture, l'idée même de mode est une aberration
huile sur toile (27x22cm)
Paris 2005
prix 150 euros
Anamorphisme 2
la peinture sera toujours plus moderne et plus efficace que les moyens d'expression dits modernes, comme le cinéma, la vidéo
Parce qu'une peinture est peut-être longue à faire, mais en un quart de seconde vous touchez le spectateur
huile sur toile (27x22cm)
Paris 2005
prix 150 euros
Anamorphisme 3
En peinture, le temps de lecture est aboli. L'oeuvre se livre, efficace et brutale, dans son immédiateté.
C'est de la communication absolue, à la vitesse de la lumière.
huile sur toile (27x22cm)
Paris 2005
prix 150 euros
Anamorphisme 4
la peinture est inactuelle et par là transcende toute mode : d'abord parce qu'elle traduit avec une efficience totale l'époque et l'instant présent, ensuite parce que peindre demande de la réflexion, de la maturation, ce qui permet d'échapper aux vibrations superficielles des micro-modes.
huile sur toile (27x22cm)
Paris 2005
prix 150 euros
Par debailly
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Jeudi 1 septembre 2005
Petit historique du genre du portrait jusqu'au XIXe siècle
L'art funéraire égyptien comporte d'importants ensembles de figures individualisées, qu'il s'agisse du défunt lui-même ou des personnages qui l'accompagnent dans les scènes diverses qui sont représentées. Le portrait, dans cette conception religieuse de l'art, a pour fonction de fixer l'image du disparu pour lui permettre de continuer à vivre dans l'au-delà. La civilisation romaine, si elle continue d'illustrer ce lien entre la mort et le portrait (présent sur les sarcophages et les cénotaphes), introduit aussi l'usage plus banal que nous en connaissons : les bustes sculptés sont présents dans les demeures privées et tiennent aussi une place dans la vie politique, assurant la postérité des principaux hommes publics.
AACHEN
Couple plaisantant
Durant le Moyen Age chrétien, le statut du portrait pose à nouveau des problèmes de rapport au sacré. Influencé par les religions iconoclastes orientales, ou plus simplement sensibles à la croyance superstitieuse qui fait de l'image un support à des pratiques magiques, donc potentiellement maléfiques, les princes et les hommes d'église considèrent avec méfiance le portrait, qui peut aller jusqu'à faire l'objet d'un "tabou". Comme pour conjurer les dangers potentiels, l'effigie de l'homme vivant réapparaît dans l'art par le biais des représentations religieuses. Les papes introduisent leur propre représentation à côté de celles des saints qui accompagnent le Christ ou la Vierge dans les décors de mosaïque du Haut Moyen Age (comme Félix IV, qui vécut au VIe siècle, à l'église Saint-Cosme-et-Saint-Damien de Rome). Puis, des laïcs-même apparaissent sur les fresques ou les retables par le truchement de leur fonction de donateurs : finançant une oeuvre d'art réalisée pour la gloire de Dieu, leur bienfait les protège de tout maléfice.
MESSINA
Vierge de l'annonciation
Il faut attendre le XIVe siècle, en France, pour que le portrait se libère de tout contexte sacré. L'oeuvre que l'on considère comme le premier portrait individuel à part entière est celui de Jean le Bon, qui fut roi de France de 1350 à 1364. L'oeuvre, un petit panneau de bois conservé au musée du Louvre, représente la tête du roi de profil, sur un fond neutre, sans aucun attribut ni accessoire.
Vierge de l'annonciation
Le portrait connaît au XVe siècle un véritable essor. Flamands, Vénitiens, Florentins du Quattrocento infléchissent le genre chacun selon sa sensibilité : portraits intimes de personnages saisis dans leur cadre quotidien comme les époux Arnolfini de Van Eyck (1434) ou portraits en pied de nobles cavaliers représentés dans toute leur gloire sur des fonds de paysages toscans.
Le portrait de cour se développe aux XVIe et XVIIe siècles ; de plus en plus nombreux sont les commanditaires, courtisans mais aussi personnages désireux de reconnaissance sociale, issus de la noblesse de robe et de la grande bourgeoisie, qui constituent la clientèle de peintres qui se spécialisent dans ce genre. Contre l'abâtardissement qui le menace, une nouvelle catégorie apparaît : celle du portrait allégorique ou mythologique, qui élève le modèle jusqu'aux plus hautes sphères de la peinture d'histoire. C'est à cette époque et dans ce contexte qu'est définie par le théoricien de l'art Félibien la hiérarchie des genres (1667), qui renvoie le portrait après les représentations de sujets issus de la Bible ou de l'histoire ancienne (peinture d'histoire), ainsi qu'après celles de sujets de la vie quotidienne (scène de genre).
ARCIMBOLDO
Le printemps
Des catégories différentes du genre du portrait se codifient donc peu à peu, le rigide portrait d'apparat n'ayant que peu à voir avec les formules beaucoup plus libres qui s'épanouissent avec l'avènement du portrait psychologique au XVIIIe siècle. Ainsi l'ensemble des accessoires se trouve négligé au profit d'un rendu rapide ou fouillé, désinvolte ou patient, de la tête seule du modèle, dans une technique qui bien souvent rompt avec l'esthétique du "bien fini". C'est un prélude au portrait romantique, qui quête chez son modèle le sentiment intime, la personnalité vraie, le moi caché.
BACICCIO
Portrait de Lorenzo Bernini
Pendant la période couverte par les collections du musée d'Orsay, c'est-à-dire la deuxième moitié du XIXe siècle, alors que la photographie est une technique et un art naissant, le genre du portrait est particulièrement florissant dans la peinture et dans la sculpture. La bourgeoisie, à la fois acteur et bénéficiaire de la révolution industrielle, accède au pouvoir d'achat qui lui permet de devenir commanditaire. A défaut d'une galerie de portraits d'ancêtres dans un château, les habitants des appartements haussmanniens ou des hôtels de villes de province décorent leurs pièces de réception du portrait de leur épouse, de leur famille ; ils réservent leur buste en marbre ou en pierre à un jardin d'hiver ou à un vestibule. S'ils ne peuvent se référer à une lignée prestigieuse du passé, ils ont au moins ainsi le sentiment de laisser à la postérité l'image de leur réussite. Plus tard, l'album des photos commémorant les moments essentiels de la vie familiale - mariage, baptêmes... - remplira un rôle similaire, entraînant moins de frais et moins d'encombrement. C'est alors que les ateliers de portraits, véritable industrie qui ne limite pas son développement aux grandes villes, se multiplient, répondant au besoin de la production en série d'effigies d'une classe sociale beaucoup plus large que la bourgeoisie et gagnant des milieux plus populaires. BACKER
L' écoute
Le régime républicain, accroissant le nombre des acteurs de la vie politique, multiplie aussi ses figures tutélaires : le culte du "grand homme" se fonde et s'illustre par des portraits peints, et surtout sculptés, qui envahissent l'espace public, en particulier l'environnement urbain. Les commandes de la Troisième République sont honorées par les artistes de style éclectique, puis naturaliste qui forment le courant majeur de l'art officiel. En regard, on pourrait croire que les impressionnistes apparaissent comme peu concernés par le genre du portrait : l'abandon du dessin, le rejet de la primauté de la forme pourraient empêcher l'individu identifié et reconnaissable de trouver sa place. Certes, les impressionnistes sont plus souvent paysagistes que portraitistes ; néanmoins, pour des raisons diverses, ils apportent tous leur contribution à l'évolution du genre - qui sera profondément marqué par Degas, Cézanne, Van Gogh et Gauguin, artistes pour lesquels l'impressionnisme n'est qu'une étape de recherche esthétique qui mène à des chemins novateurs individuels.
BALDOVINETTI
Portrait de la dame en jaune
à suivre...
Par debailly
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Publié dans : histoire de l'art
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